송강호, 배두나, 조정석, 김소진, 김대명, 이성민, 이희준, 조우진, 송영창, 박지환, 최귀화, 유재명, 김홍파....대충 여기까지만 나열해도 쟁쟁한 선수들이다. 그런데 이런 선수들을 모아놓고 우민호 감독이 외친다.

“당신들은 영화 <범죄와의 전쟁>과 내 전작인 <내부자들>을 따라와라. 그러면 흥행할 것이다”

개인 플레이나 팀 플레이 모두 뛰어난 선수들에게 준 전략이 새로운 것도 아니고, 기존의 전략을 창의력 있게 분해해서 구성한 것도 아니다. 흥행한 경기의 전략 두 개를 대충 비벼서 만들었다. 결과는 졸작이다.

<마약왕>은 1970년대를 배경으로 마약업자 이두삼의 성공(?) 신화를 그렸다. 선과 악의 기준도 사라졌고, ‘잘 살아보세’라는 구호 아래 ‘돈’을 위해서는 모든 것이 허용된 시대였다. 마약이 유통되어도, 외화를 벌어들 수 있다면 국가는 눈감아 줬고, 그 돈을 고위층들이 차곡차곡 챙겼다. 이두삼이 “이 나라는 내가 먹여살렸다”라고 어이없는 말을 지껄여도 그 시대에는 반박할 수 없었다. 1970년대 국내 최대 마약업자 이황순을 모델로 하였기에, 이런 시대적인 이야기는 한결 현실적으로 다가온다. 그러나 딱 여기까지다.

영화 자체만 놓고 보면 그냥 그런 무난한 상업 영화다. 아마 이런 평이나마 할 수 있는 이유는 배우들의 스타 플레이급 연기 때문이다. 그리고 송강호는 확실히 슈퍼스타급 면모를 보인다. 어느 이는 댓글에서 “송강호가 멱살 잡고 끌고 가는 영화”라고 표현했는데, 맞는 말이다. 다른 이들을 까메오 수준으로 낮춰버렸으니 말이다. 쉽게 말해 극 중 송강호와 일대일 연기를 펼치는 장면을 보인 배우들은 모두 순식간에 훅 밀린 것이 느껴질 정도다.

문제는 앞서 말했듯이 감독의 신기하고도 요상한 연출력이다. 영화는 아예 새로울 수 없다. 아무리 컴퓨터 그래픽을 사용한 SF영화를 찍더라도, 그동안 알지 못했던 사랑 이야기를 그리더라도 일정한 공식이 있고, 스토리 라인이 있다. 때문에 아예 이 공식에 맞추거나, 아니면 이를 교묘하게 뒤틀어야 한다.

그 강도를 조절하는 힘은 배우가 아니라, 감독이다. 그 조절된 강도 안에서 배우들은 연기를 펼치고, 카메라 감독은 찍으며, 후반 작업이 이뤄진다. 그런데 감독이 이 강도를 조절하지 못하면, 영화는 진부해지거나, 표절 수준의 작품이 나온다. <마약왕>은 후자에 가깝다.

일단 모든 면이 <범죄와의 전쟁>이 그대로 떠오른다. 배우들의 역만 봐도 송강호는 최민식이, 조정석은 곽도원이, 배두나는 김혜은이, 조우진은 하정우가, 윤제문은 조진웅이, 이중옥은 김성균이 떠올랐다. 여기에 부산과 1970~80년대 배경, 송강호와 최민식이 갑자기 마약 제조 혹은 건달로 전업(?)하는 과정, 수첩 속 공권력과 그 공권력의 개입 등이 <마약왕>을 보는 내내 겹쳐졌다.

<내부자들>은 사실 영화가 직접적으로 겹치지는 않는다. 그러나 권력과 건달, 검사를 보는 시선이 <내부자들>을 크게 벗어나지 않는다. 마치 조정석은 곽도원이기도 하지만, 조승우이기도 한 것처럼 말이다.

총론은 <내부자들>을, 각론은 <범죄와의 전쟁>을 따른 셈이다. 그런데 여기에 개연성까지 떨어진다. 당연히 관객들은 지루해 할 수밖에 없다. 배우들의 연기력에만 기대기에는 러닝타임이 너무 길고, 스토리는 뚝뚝 끊긴다. 배우들이 갑자기 사라지기도하고, 극중 팀과 어울리지 못하고 따로 놀기도 한다.

송강호가 일본에 가서 야쿠자 두목을 구하더니 갑자기 돈을 만지고, 마약 제조 방법을 배워 돈을 벌더니 공권력과 결탁하고, 이 힘을 바탕으로 다시 일본에 가서 돈 많은 회장과 만나고, 한국에 와서 다시 돈을 불리고 하는 과정이 빠르게 흘러가지만 임팩트는 없다.

우 감독은 어느 인터뷰에서 <내부자들>은 직설적이었지만, <마약왕>은 은유적이라고 말했다. 그 은유적인 면을 찾는 재미가 있을 것이라 장담했다. 그런데, 그 은유를 찾기도 전에 관객들은 지친다. 게다가 그 지친 관객들이 은유를 찾기 위해 다시 한번 극장을 찾지는 않을 것이다.

캐스팅 낭비에 연출력의 구멍은 송강호가 아무리 멱살 잡고 이끌고, 인공호흡을 하더라도 살리기 힘들다.

- 아해소리 -

뮤지컬 <젠틀맨스 가이드 : 사랑과 살인 편>을 한 줄로 정의한다면 “정말 웃기는 코미디 뮤지컬”이다. 처음부터 끝까지 이 뮤지컬이 추구하고자 하는 방향은 이 범위를 절대 벗어나지 않는다. 그래서 아이러니하다.

내용은 단순하다. 몬티 나바로는 직업도 없이 가난한 삶을 사는 남자다. 그런데 어느 날 한 노파로부터 자신이 명문가인 다이스퀴스가의 핏줄임을 듣게 된다. 그러나 백작이라는 작위와 엄청난 재산을 물려받는 ‘상속자’가 되기에는 현실적으로 힘들다. 서열 9위. 즉 자신 앞에 8명의 예비 상속자들이 대기 중이다. 나바로는 그들을 죽이기로 결심한다. 높은 곳에서 떨어지는 이의 손을 외면하고, 물에 빠트리고, 무거운 기구에 압사하게 만들고, 독벌에 쏘여 죽게 한다. 나바로는 직접 총이나 칼을 사용해 피를 보지는 않는다. 그러나 나바로의 의지와 우연이 합쳐 다이스퀴스 가문 백작 계승자들은 사라져간다.

입체적이고 동적인 이 뮤지컬을 평면적이고 정적으로 바꿔 설명하자면, 굉장히 ‘잔인’한 스토리다. 그 방법 역시 앞 기술에는 짧게 서술했지만, 세세하게 보면 ‘이야기’로 만들기 힘든 내용이다. 그런데 관객들은 손바닥 치며 ‘깔깔’ ‘끄억끄억’ 소리 내며 웃기게 만든다. 게다가 그 웃음을 유발하는데 있어 억지스러움이 적다. (아예 없지는 않지만 넘어갈 수준이다)

뮤지컬 <젠틀맨스 가이드> 흥행의 핵심이다. 주인공의 잔인하고 처참하며 냉혈한 적인 모습을 절대 그렇게 보이지 않는다. 여기에 무대 작품이라는 점도 큰 영향을 준다. 배우들의 과장된 표현과 발성, 그리고 속도감 있는 진행은 관객들의 머리 속에 ‘살인’의 상황을 지우고 웃음만 남긴다. 만약 이 작품을 드라마나 영화로 만들었다면, 코미디 작품이 아닌 스릴러 장르로 밖에 표현이 안 될 것이다.

배우들의 연기 역시 뛰어났다. (대부분 역이 트리플, 혹은 더블이라 모든 배우들의 평은 어렵다) 오만석-김동완-임혜영 팀의 경우 박수를 받기에 충분했다.

다이스퀴스 가의 인물들을 1인 다역으로 연기한 오만석은 극 전체를 이끌었다. 관객들의 몰입력을 끝까지 유지시킨 것은 전적으로 오만석의 힘이다. 진부한 표현이지만 ‘팔색조 같은 모습’을 보인 오만석이 중심을 잡지 않았다면, 다른 배역들의 연기가 무너졌을 것이다.

김동완 역시 자신의 몫을 충실히 해냈다. 다이스퀴스 가의 인물로 차례로 변신하는 오만석의 연기에 맞춘 호흡은 절묘했다. 신화 멤버 중에서 뮤지컬 연기를 가장 잘 소화해 내며, 방송이나 예능에서 능청스러운 모습을 보인 김동완으로서는 최적의 역할이다. (매번 느끼지만 키는 아쉽다)

이런 김동완의 연인 시벨라 홀워드로 등장하는 임혜영은 뮤지컬계 여배우 중 한 축을 담당한다는 것을 관객들에게 재차 각인시키려는 듯 뛰어난 연기를 선보인다. 데뷔 당시 다소 슬퍼보이는 연기에 적합할 것으로 평가받았던 임혜영이 어느 새 연기톤을 조절하며 무대를 휘어잡는 모습은 놀랍기까지 하다.

배우들에 대해 약간 더 언급하자면, 오만석과 트리플을 이루는 배우는 한지상, 이규형 이고, 김동완과 트리플을 이루는 배우는 유연석, 서경수 다. 그리고 임혜영은 원 캐스팅이다. 작품을 봤거나 아는 관객 입장이라면, 오만석-김동완-임혜영 팀이 <젠틀맨스 가이드>를 가장 재미있게 보는 라인업이 아닐까 생각한다.

- 아해소리 -

그룹 ‘퀸’에 열광 중이다. 오래 전에 사망한 프레디 머큐리의 이름이 전 세대 입에 오르내리고 있고, 언론들 역시 퀸과 프레디 머큐리에 관한 기사를 쏟아내고 있다. 40대 이상이라면 어느 정도 이해할 수 있지만, 10~30대가 퀸과 프레디 머큐리에 흥미를 느끼는 것은, 정말 ‘흥미’롭다.

물론 시작은 영화 <보헤미안 랩소디>다. 여러 매체를 통해 혹은 입소문을 타고 흥행은 물론, 여러 이벤트 (극장에서 떼창 등)가 성공적으로 진행돼, 영화를 안 본 이들까지도 호기심을 자극하고 있다. 여기에 재관람까지 더해져 퀸과 프레디 머큐리는 마치 현 시대에 존재하는 인물로까지 착각하게 만든다. (MBC는 1985년 ‘라이브에이드’ 콘서트를 재편집해 12월 2일 방송한다)

영화에 대한 평가가 너무 다양하다. 전체적으로 좋은 평가를 내리는 사람도 있지만, 어떤 이는 퀸과 프레디 머큐리의 삶을 제대로 그려내지 못했다고 말한다. 또 어느 이는 마지막 ‘라이브에이드’ 콘서트 장면이 영화의 모든 것이라고 평가하기도 하고, 어느 이는 퀸과 퀸의 노래는 사라지고 프레디 머큐리의 삶만 조명한 ‘인물’ 다큐멘터리 수준이라고 말한다.

영화는 관객의 해석의 의해 평가된다. 때문에 어느 말을 맞다, 틀리다 할 수는 없다. 분명한 것은 어느 평가이든 ‘퀸’ ‘퀸의 노래’ ‘프레디 머큐리’라는 대상들이 새삼 이 시대에 주목받고 있다는 점을 확인시키고 있다. 단지, 어느 것을 더 부각해 보느냐의 차이일 뿐이다. 어찌되었든 이들은 한국에서 부활했다.

개인적으로 그 이유는 두 가지로 꼽는다. 첫째는 음악이다. 어쩔 수 없다. 퀸의 노래는 너무 많이 알려져 있다. 그 유명곡들이 영화 내내 깔린다. 그 노래를 퀸이 불렀다는 것을 모르던 관객들도 “어 이 노래가?”라는 반응을 보인다. 영화, 방송, 광고 등에서 퀸의 노래는 자주 등장했고, 우리에게 익숙하다. 익숙한 곡을 매개로 퀸과 관객이 만나니, 더욱 친숙해질 수밖에 없다. 거기에 프레디 머큐리라는 매력적인 천재의 삶을 그려내는 영화라니..... ‘비평가적 평가’ 이전에 감성적인 평가로 인해 영화와 퀸은 살아난 것이다

두 번째는 프레디 머큐리의 극적인 삶이다. 이민자의 사람에서 스타의 삶까지, 사랑하는 여자와 행복한 삶에서 동성애자의 인정, 그리고 에이즈와 죽음. 그 사이에 자신을 바라보는 사람들 앞에서의 사실상 마지막 콘서트. 행복한 삶이었다기보다는 불안하고 불행한 삶이었다. 어쩌면 중장년층이 아닌, 젊은 층이 퀸과 프레디 머큐리에 열광하는 이유는 이 지점일 것이다.

자신의 삶이 불안정하고, 미래가 보이지 않는다고 생각하는 이가 선택하는 방향은 크게 두 가지다. 극복 혹은 어떤 대상에 대한 동질화다. 전자는 어려운 길이다. 지금보다 몇 배 더 노력해야 한다. 후자는 쉬운 길이다. 나와 비슷한 상황, 혹은 더 심한 상황에 처한 대상을 찾아 위로를 받는다. 현실 도피라고 생각할 수도 있지만, 잠시 안식을 시간을 갖는다고 할 수도 있다. 전 세계 팬의 사랑을 받던 프레디 머큐리가 사실 자신의 삶은 불안정하다 못해 ‘인간’ 그 자체로는 바닥이다.

<보헤미안 랩소디>는 관객수 자체의 의미보다는 사회적으로 이 같은 정서를 끌어냈다는데 의미가 있다. (물론 관객 숫자도 만만치 않다) 그러나 역으로 생각하면, 행복한 사회였다면 아마 <보헤미안 랩소디>는 퀸의 음악이 BGM으로 잘 깔리고, 마지막 콘서트 장면만 화려한 다소 약한 음악영화로 치부될 수도 있었을 것이다.

- 아해소리 -

반전 영화의 적은 ‘반전에 익숙한 관객’이다. 아무리 곳곳에 트릭을 만들어놔도, 이들 관객에게 큰 감흥을 주지 못한다. 게다가 초반에 만일 그 패가 읽힌다면, 영화는 힘을 순식간에 잃어버린다. 그래서 어느 정도 내공이 있는 영화가 아니면, 한국에서 반전 영화는 관객에게 호평을 받기 힘들다. (더구나 사회 전체가 어느 순간 음모와 불신이 서로 얽히고설켜 반전 그 이상의 분위기가 형성된 상황이라면 더더욱 어렵다) 영화 <꾼>이 가진 매력인 ‘반전’이 힘을 발휘하지 못하는 이유다.

<꾼>은 3만 명에게 4조 원대 사기를 친 조희팔 사건을 모티브로 하고 있다. 이전에도 영화 <마스터>가 조희팔 사건을 모티브로 하고 있지만, 색(色)은 전혀 다르다. <마스터>가 '경찰 vs 사기꾼‘ 이었다면, <꾼>은 ’사기 피해자 가족 vs 사기꾼 비호 권력‘이다. 그러다보니, 좀더 촘촘하게 연출이 필요했다. <마스터>가 큰 힘을 가진 자들의 충돌이라면, <꾼>은 큰 힘을 가진 자에 대한 피해자들의 대항이기 때문이다.

그런데 아쉽게도 초반에 <꾼>은 패를 내보이며 “이렇게 전개될 겁니다”라고 친절하게 설명하고 말았다.

우선 현빈의 변장술이다. 정말 많이 아쉬운 장면이다. 어설픈 변장은 현빈임을 누구나 알게 했다, 이강석(최덕문)이 극에서 현빈의 변장술을 알아채지 못하고, 거꾸로 유지태 일당이 현빈이 변장했음을 알아채는 순간 현빈의 첫 의도가 읽히게 된다. 치밀하다고 극중 소개된 현빈이 CCTV에 자신의 모습을 대놓고 드러내는 장면 역시 ‘수’를 보인 상황이다. (변장을 감독이 일부러 어리숙 하게 한건지, 아니면 변장술의 한계인지는 모르겠다)

현빈이 장두칠(허성태)에게 풀려났다는 배경 이야기는 가장 아쉬운 대목이다. 그 이야기가 좀더 치밀하게 그려졌어야 했고, 그 때문에 현빈이 어떤 상황에 처해 있음이 드러났어야 했다. “어렵게 탈출했다”는 말 한마디 때문에 이야기 흐름은 모두 읽히게 된다. 사실 조금만 눈치 있고, 반전에 대해 익숙한 관객이라면 이 부분에서 이야기는 끝난다.

마지막은 박성웅의 캐릭터다. 희대의 사기꾼이 국내 일정을 맡길 정도의 인물이, 등장 이후부터는 그렇게 어리숙할 수 없다. 유지태가 정말 냉철하고 몇 수를 읽는 검사 캐릭터였다면, 박성웅의 행동은 ‘이상함’ 그 자체다. 물론 마지막에 ‘왜’ 그런지는 알게 됐지만, 그 마지막 때문에 과정을 망친 셈이다. (영화 <찌라시:위험한 소문>의 박성웅 캐릭터의 반만 나왔어도 이야기 흐름은 달라졌다)

결국 현빈이 그림을 그렸고, 극 전체는 이 그림에 따라 가고, 유지태는 그 안에서 허우적댄다는 사실을 영화 초반에 알아버렸는데, 영화가 흥미진진하게 보일 리 없다. 이건 어디까지나 연출의 문제다. 배우들의 각자 자신이 가진 캐릭터를 잘 소화해냈고, 나나처럼 의외의 모습을 보인 인물도 있다. 이런 장점을 연출이 제대로 구현하지 못했다.

결국 장창원 감독은 극중 현빈이 그림을 그리는 동안 자신은 영화 전체의 그림을 그리지 못한 셈이다.

여기까지 이야기하면, “그럼 영화가 재미 없냐”라고 생각할 수 있지만, 그건 아니다. 영화는 나름의 상업 영화의 면면을 충실히 소화해낸다. ‘킬링 타임용’으로 괜찮은 수준이고, 배우들의 연기력을 보는 것만으로도 나름 괜찮다. 단지, 이런 류의 영화가 이런 수준으로 만들어졌음에도 불구하고, 괜찮은 성적을 올린다면, 이후에도 여전히 ‘반전’의 묘미를 살리는 영화의 수준은 올라가지 않을 거 같다.

- 아해소리 -

글, 말, 논쟁, 명분, 실리... 조선 시대 지배층을 언급할 때 빠지지 않고 등장하는 단어들이다. 긍정적으로 표현하든, 부정적으로 표현하든, 이 단어들은 어김없이 등장했고, 지금까지도 후손들에게 영향을 미친다. 영화 <남한산성>은 여기에서 시작한다.

김훈의 소설 ‘남한산성’의 영화로 만들어진다는 소식이 전해질 때, 대다수의 사람들은 “무겁겠다”라고 생각했다. 당연하다. 400페이지에 가까운 소설은 어느 한번 빈틈을 허용하지 않았다. 380년 전의 스산한 겨울의 분위기를, 초췌한 백성들의 처참함을, 각기 다른 생각으로 왕과 나라를 생각하는 어느 신하들의 절규를 고스란히 전달했다. 글 하나가 문장 하나가 생명을 부여받았다.

그러나 영화로 옮겨지면서 소설이 보여주는 스펙트럼은 줄어드는 대신, 한 곳에 집중해 밀도감을 높였다. 백성과 병사들의 이야기는 줄어들었고, 왕과 신하들의 이야기 즉 지배층의 스토리에 초점을 맞췄다. 앞서 언급한 글, 말, 논쟁, 명분, 실리가 스크린을 가득 채운다.

​​<남한산성>을 중심적으로 가득 채우는 것은 이조판서 최명길(이병헌)과 예조판서 김상헌(김윤석)의 말(言)이다. 순간의 치욕을 참더라도 조선의 명맥을 이어가려면 청나라에 항복을 해야 한다는 명길과 대의를 위해 끝까지 청과 싸워야 한다는 상헌의 논쟁은 영화 지분의 8할 이상이다.

이들의 논쟁이 다른 신하들의 흐름을 잡고, 인조(박해일)의 생각의 방향을 제시하며, 청의 움직임을 예측케 한다. 관객도 마찬가지다. 상헌의 말에 따라가다가, 명길의 말을 이해한다. 그러다가 다시 상헌의 입에 눈길을 보내다가, 명길의 목소리에 귀 기울이게 된다. 이들의 말은 충돌해 부서졌다가 다시 합쳐지고, 그 과정에서 갈려서 빛을 내다가 굳건한 칼이 된다. 상대를 베기도 하고, 나를 지키기도 하지만 거꾸로 상대의 힘(생각)을 키운다.

과거 어느 이가 통찰력 있는 이들의 논쟁은 무협지 속 고수와 같다는 말을 했는데, 이병헌과 김윤석이 보여주는 최명길과 김상헌의 논쟁이 그러한 느낌을 준다.

영화와 소설 속 명길과 상헌은 분명 왕과 국가를 위한다. 결과적으로 누가 맞고 틀리다를 논할 수 없다. 그건 결과론적인 해석이고, 그 시대를 살지 못한 후손들의 일방적 판단이다. 하다못해 항복문서를 쓰지 않으려 하는 대신들, 즉 역사에 자신의 이름을 부정적으로 남기지 않으려는 이들의 모습도 어느 시점에서 판단하느냐에 따라 다르다. (최명길이 후세에 다양하게 평가되거나 김상헌이 이와 대비돼 평가되는 등의 역사적 사실은 논외로 하자)

이들 명길과 상헌의 말의 겨룸에 간간히 의지를 내보이는 인조의 말도 얄팍하긴 하지만, 스스로 힘을 발하긴 한다. 다른 신하들의 말이 공감 안되는 명분과 스스로의 삶을 위한 것으로 비쳐진 것에 비해 그나마 인조의 말은 주체적 이려고 애 쓴다. (이 부분에서 박해일 캐스팅이 안성맞춤이라는 평가도 있다. 나약한 이미지이면서도 자존심은 놓으려 하지 않는 지질함을 잘 드러내는 배우라는 평)

앞서 언급했듯이 이런 말의 부딪침에 포인트를 맞추다보니, 소설에서 느낄 수 있는 공간의 스산함과 백성들의 고단함의 표현은 다수 무뎌졌다. 그 때문일까. 서날쇠(고수)와 동생(이다윗)의 존재감은 그다지 부각되지 않았다. 도리어 소설에서는 흐름의 한 축을 맡았던 서날쇠가 영화에서는 존재감이 흐려졌다.

아이러니하게도 고수라는 배우의 존재감이 서날쇠라는 인물의 역할의 방향을 틀어버린 것이다. 소설의 서날쇠는 시대를 보여주고, 백성의 모습을 보여주는 캐릭터였다면, 영화 속 서날쇠는 갑자기 영웅이 되어 있다. 한낱 대장장이가 무관을 손쉽게 제압하고, 군대의 눈을 피해 도망가는 수준이니 말이다.

전체적으로 영화는 ‘상업적으로’ 잘 만들었다. 누구의 말처럼 영화를 본 후에는 여러 가지 생각을 할 수도 있고, 명길과 상헌의 입장에서 이런저런 이야기를 해볼 수도 있을 것이다. 그러나 49일간의 어두운 시대상을, 치욕적인 조선의 역사를 그려낸 영화 치고는 짙은 여운은 의외로 없는 편이다. 보는 이들마다 다르겠지만, <광해>의 경우에는 몇 번을 보더라도 여운을 남기는 포인트가 여전히 존재한다.

​​이 부분에는 여러 해석이 있을 수 있겠지만, <광해>는 감성을 건드리는 연출이었다면, <남한산성>은 이성을 표현하는 연출이었기 때문이라고 본다.

<광해>는 인물과 인물이 감정을 섞었지만, <남한산성>은 말과 말이 충돌하고 갈린다. 여운은 감성을 건드릴 때 나온다. 이것이 흥행에 어떤 영향을 미칠지는 예상할 수 없다. 배우들의 호연에 무게를 둘지, 여운에 무게를 둘지에 따라 달라질 것이라 보기 때문이다.

- 아해소리 -

영화 속 내용이 개봉 시점과 절묘하게 결합했다. 2년 전부터 만들었다고 하니, 지금의 대선 상황을 고려하지는 않았을 것이다. 그러나 보는 내내 지금의 상황을 떠오르면 피식 웃음이 이어져 나온다. '특별시민'은 선거에 대한 이야기다. 내 기억 속에 정치와 정치인을 다루는 영화는 종종 봤어도, 선거 자체를 다루는 영화는 이것이 처음이다. (기억이 안 나는 것일 수도 있다)

영화는 서울시장 3선에 도전하는 변종구(최민식)와 그에 맞서는 야당 후보 양진주(라미란) 간의 대결 구도를 기본 클로 한다. 여기에 변종구 측 선거대책본부장 심혁수(곽도원), 양진주 측 선거 전문가 해외파 임민선(류혜영), 선거전에 갓 입문한 광고 전문가 박경(심은경)의 이야기를 담았다

서울시장 선거판을 다뤘다는 설정은 듣기만 해도 깨끗하지 않다는 것을 짐작케 한다. 맞다. 추잡하다. 대체적으로 변종구 측은 조작을 통해 네거티브 전략을 구사한다면, 양진주 측은 어쩌다 던져진 꺼리를 활용한다. 그러다보니 번본히 변종구 측에 당하는 입장이긴 하다.

그러나 기본적으로 이 둘은 당선을 목표로 구사할 수 있는 전략을 다 구사하려 한다. 이 시점에서 눈 여겨 볼 대상은 임민선과 박경이다. 임민선은 선거 전문가이긴 하지만, 해외파로 한국 선거는 처음이다. 박경은 선거전 자체가 처음으로, 정치에 대한 순수한 마음이 살아 있다. 이들은 라이벌 관계의 선거 캠프에 있고, 나름 상대를 엿먹이는 선거전략을 구사하지만, 후보들은 진정한 정치인으로 남아있길 바란다. 여기서 충돌이 일어난다.

깨끗하고 네거티브 없는 선거는 언제나 등장하는 구호지만, 역대 그 어느 선거에서도 지켜지지 않았다. 후보는 깨끗하게 걸어가더라도, 그 주위에서 선거를 치르는 사람들은 똥물을 밞고 서 있다. 이들은 선거 후 자신들에게 돌아올 몫을 알기에 이 똥물을 밞고 서서, 후보를 어깨 위로 들어올린다.

그런데 그 무리에 '깨끗하고 공정하며 네거티브 없는 선거'를 바라는 사람이 있다면 어찌될까. 버티지 못한다. 임민선과 박경이 그랬고, 그래서 그들은 결단은 이해하면서도 수긍하기는 힘들다.

이들의 대척점에 서 있는 심혁수는 대한민국 선거판을 제대로 대변하는 인물이다. 후보와 갈등이 있더라도 일단은 당선시켜놓기 위해 똥물이 아니라 핏물이라도 밞을 인물이다. 그리고 이러한 '심혁수 현실판' 인물들이 지금 대선판에 깔렸다.

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재미있는 것은 임민선과 박경의 모습은 현실의 대선을 바라보는데 있어서 자극을 주지 못하지만, 심혁수의 모습은 다르다. 심혁수의 행동과 생각은 현실 대선의 과정에 이래저래 끼워 맞춰 해석케 했다.

영화는 중간에 '과실로 인한 죽음'이라는 너무 극적인 두 가지 설정을 제외하고는 꽤 자연스럽게 이어져 간다. 나름의 반전도 존재한다. 그리고 미디어에 의해 얼마나 사람들이 쉽게 조작되고 흔들리는지도 보게 된다.

특히 엔딩은 꽤 개인적으로 마음에 들었다. 뻔한 결말이 아니라서 그랬는지도 모르지만, 적잖은 개인적 해석을 하게 했다. 입 다물게 하고 모든 것을 먹어치우겠다는 모양새다.

참고로 변종구의 당은 새자유당이다. 여기서. 피식웃었다. '새누리당+자유한국당'을 합친 느낌이다. 영화 관계자는 새누리당이 자유한국당으로 당명을 바꿨을 때 소름이 돋았다고 한다. 그리고 양 후보가 각각 아들과 딸의 문제가 공론화된다. (물론 딸의 문제는 조금 다르지만) 현재 문재인과 안철수 이야기를 떠올리게 한다.

27일 개봉 후 영화를 본 이들은 5월 9일 대선을 어떻게 바라볼지 궁금하다.

- 아해소리 -

ps. 류혜영의 미모가 물이 올랐다.
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16일 서울 잠실종합운동장 주경기장에서 개최된 콜드플레이(coldplay) 콘서트는 고민되던 공연이었다. 새월호 3주기인 날이었기 때문이다. 그런데 정작 콜드플레이가 이런 눌린 마음 일부를 날려줬다. 첫 곡이 끝나고 두번째 곡인 '옐로우'(Yellow) 중간 크리스 마틴은 관객들에게 10초간 침묵으로 추모하자고 제안했다. 무대 스크린에는 노란 리본이 그려졌다. 크리스 마틴의 손목에는 노란 밴드가 보였다. 순간 울컥했다.

어느 이들은 말한다. 콜드플레이가 꼭 이날 공연을 했어야 했냐고. 사실 나도 이 생각이 들긴 했다. 조금 현대카드에서 달리 잡을 수 없었을까. 자세한 내용은 모르겠지만, 세월호 추모일을 콜드플레이 월드투어 일정에 강요할 수는 없었을 것이다

그리고 더 나아간 생각이 세월호 3주기에 모두가 정지될 필요는 없다는거다. 추모의 방법과 공간이 안산이든, SNS든, 공연장이든 상관이 없다.

공연관계자가 콜드플레이와 어떻게 이야기했는지 모르겠지만, 어찌되었던 콜드플레이는 5만(이틀간 10만) 관객들에게 세월호 추모의 시간을 줬고, 오히려 이날을 넘어갈 뻔했던 이들에게도 기회를 줬다.

콜드플레이 곡 중에서 위로의 곡이 많다는 것도 어찌보면 이런 애도의 뜻을 조금이라도 살려주지 않았나 싶다.

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물론 이날 공연은 애도의 분위기와는 거리가 멀다. 어느 때는 클럽 분위기로 어느 때는 놀이공원 같은 분위기로 휘몰아쳤다. 이는 당연하다. 원래 이런 콘서트였다. 단, 몇 분이라도 10만 관객들에게 애도의 시간을 줬다는 것이 중요하다.

콜드플레이는 이날 적잖은 팬을 더 확보했을 것이다.

아 하나 더. 크리스 마틴은 이날 태극기를 들고 나왔고, 관객들은 환호했다. 광화문과 삼성동에서 잘못 사용된 태극기가 오랜만에 제재로 대접받은 날이다.

- 아해소리 -

사실 <공각기동대> 스토리가 세세하게 생각나지 않는 상황에서 이번 실사판 <공각기동대 : 고스트 인 더 쉘>을 접했다. 그러다보니 영화를 보면서 실시간으로 머리 한 쪽으로는 원작을 떠올리며 스토리를 구분해 이어나갔다. 물론 이번 <공각기동대>와 원작은 오프닝부터 달랐다.

원작은 쿠사나기 소령이 빌딩에서 떨어지며 시작한다. (유명한 장면이다). 그러나 실사판은 스칼렛 요한슨이 메이저로 변하는 (정확히는 개조되는) 과정을 시작에 내세운다. 루퍼트 샌더스 감독이 시간에 맞춰 친절한 설명을 하고 싶어서인지는 몰라도 원작의 강렬한 오프닝을 기억하는 팬이라면 당황할 수도 있다. 물론 시간 순서대로 흐름을 좋아하는 이들이라면 더 나을 수도 있다. 그러나 이후에는 이런 자잘한 비교를 할 수 없는 수준으로 넘어간다.

<공각기동대>는 전 세계 관객들에게 혼란스러운 생각거리를 던진 영화다. 1995년에 만들어진 이후 많은 미래 소재 영화에 영향을 미쳤다. 이번 실사판 제작 소식이 알려진 후, 화제와 논란이 일었던 것은 당연한 수순이다.

원작 <공각기동대>가 던진 화두는 ‘존재’였다. 물론 인류사 수많은 종교인들과 철학자들이 이 문제를 거론했고, 나름의 답을 내놨다. 그들의 답은 ‘나는 누구이고 인간이란 무엇인가’라는 인간 중심의 ‘존재론’을 전제에 깔고 있다. 1995년 애니메이션 <공각기동대>가 전 세계 관객들에게 충격을 줬던 이유는 바로 이 부분에서 벗어나 있기 때문이었다.

기계와 네트워크 세상에서 인간의 존재를 묻는다. 인간의 정신과 기계가 결합할 때 그 상태를 인간이라고 볼 수 있을까. 혹은 인간의 정신이 네트워크라는 수많은 전기적 물질 상태와 결합, 연결됐을 때 이를 무엇이라 부를 수 있을까. 인간이 말하는 영혼과 인공지능이 자체적으로 가진 영혼은 뭐가 다를까. 인간의 존엄과 인공지능을 가진 기계의 존엄은 다르게 판단할 수 있을까라는 질문을 끊임없이 던진다. 원작 <공각기동대>에서 인형사는 “너는 한낱 프로그램에 지나지 않는 존재다”라는 사람들에게 “인간의 DNA라는 것도 자기 보존을 위한 프로그램에 지나지 않지. 생명이라는 건 정보의 흐름 속에서 태어난 돌연변이일 뿐이다”라고 반박한다. 영혼을 DNA을 기반으로 한 것이고, DNA를 프로그램으로 재정의한다면, 인공지능의 존재 역시 인간의 존재와 다를 바 없다는 것이다.

지금도 답이 없는 혼란스러움을 주는 문제를 <공각기동대>가 1995년에 던진 것이다. 어찌 보면 인공지능의 영역이 미래가 아닌 현재형이고, 현실화된 지금은 진지하게 고찰하며 이야기 나눌 수 있지만, 당시에는 어찌보면 두려움의 영역일 수도 있었다. 이게 실시판에 대한 우려의 시작이다.

사실 스칼렛 요한슨이 메이저(모토코)를 어떻게 연기할지는 중요하지 않다. 이미 액션을 비롯해 다양한 연기를 선보인 그녀가 분명 <공각기동대>에서도 할리우드식으로 친절하게 관객들을 위해 충분한 연기를 보여줄 것이라 믿었기 때문이다. CG를 통한 화려함 역시 마찬가지다. 적잖은 언론들이 스크린 속 화려함을 극친하면서 미래 세계를 묘하고도 환상적이게 그렸다고 하는데, 이는 현 시대에서도 충분히 느낄 수 있다. (서울, 홍콩, 도쿄 야경을 보거나 그것을 찍어서 조금 변형시키면 가능하다) 결국은 1995년 <공각기동대>가 던졌던 철학적 충격을 2017년 실사판에서 어떻게 보여줄 수 있는가가 관건이었다.

그러나 결론은 ‘아니다’이다. 스칼렛 요한슨이 자신의 존재에 대해 고민하는 모습도 많이 그려지지 않았지만, 간혼 등장하는 모습도 ‘존재에 대한 고민’이라기보다는 ‘여전사로서의 방향 설정’ 같은 느낌이 들었다. 쿠제 역시 뭔가 철학적인 내용을 던지려고 여러 말을 하는데, 감정 이입이 전혀 되지 않는다. 원작이 던진 메시지를 오히려 반감시켰다. 그러다보니 할리우드식 화려함이 필요했던 이유가 이 같은 철학적 사고를 완성시키지 (혹은 지향시키지) 못한 것에 대한 보상 차원에서 만들어진 듯 했다.

물론 앞서 거론했듯이 1995년과 2017년의 관객들의 경험과 의식은 다르다. 그렇다면 감독은 더 고민했어야 했다. 원작이 던진 메시지를 충실히 전달한다는 것은 사실 1995년의 던져진 메시지를 접한 충격보다 절반, 아니 10분이 1도 안 된다. 그래도 ‘충실도’에서는 합격점을 받았을 것이다. 만약 그 당시 충격도와 동일시 하려며 엄청난 재해석에 들어갔어야 했다. 그런데 감독은 이는 아예 생각하지도 않았다. 그러다보니 결국 택한 것은 할리우드식으로 당시의 메시지를 전달하는 방법뿐이었고, 포지션은 어중간해졌다.

어찌 보면 원작을 안 본 관객들 입장에서는 스칼렛 요한슨으로 시작해 스칼렛 요한슨으로 끝나는 액션 영화로 받아들여도 되고, 여기에 아주 조금 존재에 대한 이야기를 들을 수 있다. 즉 덜 진지해지면 <니키타> <제5원소> <레지던트 이블> 등의 연이어 떠오르는 영화를 한 편 볼 수 있게 된다는 말이다.

-아해소리 -

거창한 음악이 흘러나오고 주인공들이 떼 지어 천천히 걸어오는 장면은, 영화에서 어떤 큰일을 앞두고 있거나 주인공들의 위세가 대단하다는 것을 표현할 때 연출한다. ‘도둑들’에서 그랬고, ‘범죄와의 전쟁’에서 그랬다. 그런데 이 장면만 머릿속에 남는다면 문제다. ‘프리즌’의 이 장면은 그래서 아쉽다.

‘프리즌’은 한석규, 김래원 두 주연 배우 이외에도 강신일, 이경영, 김성균, 정웅인, 조재윤, 신성록, 박원상, 전배수, 정석원 등 명품 배우들의 출연만으로도 관심을 모았다. 영화 전반부에 등장한 후 죽은 내연녀만 빼고 남자 배우들만 출연한다는 사실도, 어떻게 영화의 색을 그려낼지 궁금증을 유발시켰다. 이는 곧 수컷냄새 가득함에 대한 기대감이었다.

그런데 남자 배우들‘만’ 나와서 자신들이 가지고 있는 적절한 색의 연기를 펼친다는 것만 빼고는 영화의 장점을 찾기 어렵다. 참신한 소재를 제시했지만, 이를 내용과 연출이 따라가지 못한 것이다.

영화 전반부에서 김래원의 정체는 이미 관계들에게 들킨다. (굉장히 무딘 스타일의 관객들은 제외) 그러다보니 김래원이 한석규에게 하는 행동, 교도소에서 하는 행동 모두가 어설픈 연기로 보이고, 이는 그 흐름 전체에 영향을 미친다.

김래원의 정체가 드러나는 순간 관객들이 ‘오호 내가 맞췄다’ 혹은 ‘설마’ 하는 감정이 애초 일어나지 않은 연출이었다. 영화를 보다가 “혹 감독도 이를 알고 있지 않을까. 그래서 중요한 것은 소재이고, 한석규가 어떻게 교도소와 세상을 통제 하는가 이지, 김래원의 정체가 무엇이고, 어떻게 밝혀지는 것은 중요하지 않다고 여긴게 아닐까”라는 생각마저 들었다.

그러나 김래원의 정체를 관객들이 일찍 파악했다는 것은 김래원의 연기 즉 관객에게 보이는 연기와 한석규에게 보여줘야 하는 연기가 어설프게 섞이게 만들었다. 즉 아예 ‘추격자’처럼 대놓고 범인을 말해놓고 가면 차라리 당황스럽지만, 극의 흐름이 끊기지는 않는다. 그런데 ‘프리즌’은 어설프게 숨기고, 어설픈 타이밍에 김래원을 내놓는다.

어찌보면 이경영이나 신성록이 김래원과 어떤 관계가 있게끔 만들어놓았다면 더 놀랐을 것이다. 그런데 이런 카드 역시 없었다. 여기서 이경영과 신성록을 거론하는 이유는 한석규와 이경영의 관계, 김래원과 신성록의 관계, 신성록과 조재윤의 관계, 한석규와 정웅인의 관계 등이 제대로 설명되지 않으면서 극의 개연성 역시 뚝뚝 끊긴다.

현빈이 나왔던 영화 ‘역린’은 등장인물 소개하다 지쳐 극의 흐름을 이어가지 못했다면, ‘프리즌’은 이 부분을 너무 삭제했다. 그렇다고 해서 한석규의 권력욕과 김래원의 목적을 제대로 부각시켰냐를 따져봐야 하지만, 이 역시도 앞서 언급한 김래원의 잘못된 활용 때문에 달성하지 못했다.

물론 영화는 킬링타임용으로는 괜찮은 편이다. 굉장히 폭력적이고, 거친 모습이 계속 이어진다. 그것만으로도 정신없이 시간이 지나간다. 그러나 킬링타임용도 예의가 있어야 한다. 한석규와 여타 배우들의 연기에만 의존하는 것도 한계가 있는 법이다. 그러다보니 앞서 언급했듯이 남는 것은 오로지 위의 첫 사진처럼 떼지어 걷는 모습 뿐이다.  

한 가지 덧붙이며. 김래원의 연기가 영화에서는 유독 정체되어 있는데, 이게 스스로 의도한 것인지 아니면 극복을 못하는 것인지가 애매하다. 의도됐다면 이제는 그런 류에서 그치고, 마니아 위주로 가겠다는 것이고, 극복을 못하는 것이라면 뭔가 문제가 있어 보인다.

- 아해소리 -

굳이 점수를 주자면 10점 만점에 4점 정도...

박유천이 영화 ‘루시드 드림’으로 다시 대중 앞에 선다. 공익근무 이전에, 성폭행 논란 이전에 찍은 영화지만, 시기적으로 어찌되었든 ‘논란’ 이후다. 언론시사회를 통해 영화를 본 기자들의 반응은 극과극이다. 그러나 대체적으로 박유천의 출연량은 적지만, 비중은 결코 약하지 않다고 말한다. 연기력 역시 혹평보다는 호평이 많았다.

그도 그럴 것이 시기적으로 ‘논란 이후’지, 연기력은 ‘논란 이전’의 수준이기 때문이다. 즉 멘탈적으로나 연기적으로 한창 잘 나갈 때 찍은 영화이기 때문에 사실 배우 박유천으로서의 모습은 스크린에 고스란히 살아 있다는 것이다.

원론적인 이야기일 수 있지만, 결국 선택은 대중들의 몫이다. 이미 앞서 선례가 있다. 박유천과 ‘똑같다’고 볼 수는 없지만, 이병헌과 박시후가 그 예다. 외도 혹은 성폭행 혐의로 대중들에게 강한 질타를 받은 후, 연기 행보를 이어 나갔지만 결과는 전혀 달랐다. (기본적인 법적 문제와 별개로의 논란의 이야기다)

이병헌은 외도 논란 이후 잠시 흔들리는 듯 했지만, ‘광해’ ‘내부자들’ 등의 성공이 이어졌고, 배우로서 입지는 더욱 다져졌다. 물론 아내인 이민정이 대외적으로 그냥 넘어가는 등의 모습을 보인 것도 이병헌에게는 도움이 되었겠지만, 무엇보다 연기의 힘이 컸다.

박시후는 전혀 다르다. 논란 이후 영화와 드라마로 대중들 앞에 섰지만, 실패했다. 비록 박시후가 무혐의 처분을 받았지만, 사건의 내용은 여러 가지로 이해하기 힘든 상황이었다. 박시후가 출연한 작품들의 실패가 전체적으로 박시후 탓으로 돌리기는 어렵지만, 영향이 없다고 보긴 어렵다.

그래서 박유천의 ‘루시드 드림’이 관심을 받는 것이다. 비록 고수가 중심을 이루고 설경구라는 중견배우가 받혀주는 모양새이긴 하지만, 한류스타라는 박유천의 이름값도 무시 못한다. 즉 박유천의 분량과 상관없이 ‘루시드 드림’ 흥행 결과가 안 좋을 시에는 고수와 설경구와는 별개로 박유천에게도 관심이 쏠릴 수 밖에 없다.

그러나 역으로 ‘루시드 드림’이 흥행이든 평가든 좋게 나올 시, 박유천은 이병헌처럼 재기의 발판을 마련할 수 있다. 성폭행 논란 이전의 박유천 연기력이 대중들에게 어떻게 먹힐지 궁금하다.

- 아해소리 -

ps. 댓글 삭제에 대해 다시 댓글을 올리는데, 공지나 읽어보고 쓰길..